NOS ACTUALITÉS

Si chaque nouvelle année porte ses vœux, ses projets, ses espoirs, certains antérieurement formulés, se sont vus exaucés.
Ainsi : la réouverture du musée départemental Henri Matisse- Le Cateau Cambrésis
« La réalisation du musée va me faire renaître au Cateau » écrivait Matisse (1869-1954), à sa création en 1952.
Aujourd'hui une nouvelle page s'écrit avec un musée agrandi, grâce, notamment au don de la collection d'Alice Tériade, veuve de l'éditeur de Matisse : livres illustrés par Picasso, Miro, Chagall ….tableaux, sculptures de Giacometti, Léger, Miro...
Au fil d'un parcours fluide, nous abordons tous les pans d'activité du maître : de sa période fauve aux papiers découpés, de la sculpture (magnifique séries en plâtre des Dos I, II, III, IV des années 1909 à 1930), à l'estampe, au vitrail, à la céramique entre autres.
L'exposition inaugurale s'intitule en effet :
« Comment j'ai fait mes livres » jusqu'au 15 avril 2025
Il ne faudrait pas pour autant oublier que le musée accueille une riche collection d'Auguste Herbin (1882-1960), maître d'une abstraction géométrique riche en couleurs, natif lui aussi de Cateau-Cambrésis et co-fondateur du musée.

Le musée d'Art moderne et contemporain de Saint Etienne Métropole (ou MAMC+) réouvre également ses portes après une complète rénovation qui magnifie ses foisonnantes collections (une extension est encore à devenir), dont de très grands formats de Frank Stella, Simon Hantaï, Gerhard Richter, Soulages...

Suzanne Valadon (1865-1938)
Centre Pompidou-Paris, jusqu'au 26 mai 2025
« J'ai dessiné follement pour que, quand je n'aurai plus d'yeux, j'en aie au bout des doigts » disait celle qui s'installe à Paris dans une version enrichie par de prestigieux prêts (MET, MOMA de New York, Hermitage de Saint Pétersbourg...), faisant suite à la belle monographie présentée au Centre Pompidou Metz de 2023.
C'est donc là l'occasion de (re) découvrir cette femme libre (mère d'un futur talent : Maurice Utrillo), cette artiste au rôle précurseur dans la modernité, longtemps sous-estimé, cette coloriste remarquable.
Contrainte d'abandonner sa courte carrière au cirque, suite à un grave accident de trapèze, 
elle se fait dès 14 ans, modèle à Montmartre pour Puvis de Chavannes, Renoir…, mais ne rêve que d'inverser les rôles.
Aussi durant les longues séances de pose, elle observe, interroge sans cesse. Elle s'empare, alors des pinceaux, encouragée par Toulouse-Lautrec, saluée par Degas qui désormais la conseillera, notamment pour le fusain, pastel, gravure.
« Vous êtes des nôtres » dira-t-il alors.
D'un trait franc, appuyé et souple, elle peint son quotidien proche, des portraits (« Je peins les gens pour les connaître »), s'attarde sans complaisance sur le nu féminin, d'ailleurs très souvent elle-même pour modèle.
Elle sera la première femme à oser le nu masculin en 1909, posant à côté de son jeune amant dans une version moderne « d'Adam et Eve »...mais qu'elle fût bien vite obligée de recouvrir d'une feuille de vigne !

Nadia Léger (1904-1982). Une femme d'avant-garde.
Musée Maillol jusqu'au 23 mars 2025
Nadia Léger : une femme de caractère, pourrait-on ajouter !
Née en Russie, elle rejoindra Paris en 1925, où elle suivra les cours de l'Académie Moderne dirigée par … Fernand Léger.
Peintre sera-t-elle mais aussi éditrice de revues, collaboratrice de son époux, résistante durant l'occupation et militante communiste engagée (des portraits de Staline ou Lénine).
Outre cela, on découvre au fil du temps et du parcours, un style personnel qui se nourrit des rencontres : Fernand Léger bien sûr, mais aussi Mondrian, Arp, plus tard Nicolas de Staël, Hans Hartung, tous deux issus par ailleurs de l'atelier de Fernand Léger, où, rappelons-le, elle joua un rôle essentiel.

L'art dégénéré - le procès de l'Art moderne sous le nazisme
Musée Picasso du 18 février au 25 mai 2025
Le musée nous propose là, un récit sur cet infamant procès et ses non moins infamantes conséquences.
Très tôt dans les années 30, les autorités du IIIème Reich entreprennent une violente stigmatisation des avant-gardes de l'époque.
Le « point d'orgue » en sera une exposition en 1937 à Munich :
« Entartete, Kunst » (ou art dégénéré).
Elle rassemblera plus de 600 œuvres d'une centaine d'artistes tels Dix, Kirchner, Nolde, Klee, Kandinsky, Beckmann..., dans une mise en scène conçue pour provoquer le dégoût du visiteur.
Mais au-delà de cela, dans un contexte de « purge » méthodique des collections allemandes, quelques 20000 œuvres (dont également de Picasso, Chagall, Van Gogh...)  seront décrochées des cimaises des musées ou confisquées, brûlées, ou vendues par le régime nazi ou par d'odieux opportunistes.
Ce parcours pointe ainsi ces sombres années et pratiques, tout en projetant la lumière sur ces œuvres qualifiées alors de dégénérées.

Lumière encore, mais autre avec
« Au fil de l'or »
Musée du quai Branly du 11 février au 6 juillet 2025
Ou « l'art de se vêtir d'or de l'Orient au Soleil-Levant »
Du Maghreb au Japon, l'exposition nous dévoile une fabuleuse traversée dans le temps et l'espace, à la découverte de l'origine mystérieuse de l'or et de son mariage avec les arts textiles : kimonos, caftans, saris, costumes de princes de Bagdad, de Mamelouks d'Egypte, de nobles Ottomans ou de Qâdjârs iraniens.
Il nous reste alors à nous laisser emporter dans cet éblouissant voyage.

A propos d'art textile (mais pas que !)
« Olga de Amaral »
Fondation Cartier pour l'art contemporain, jusqu’au 16 mars 2025
Dans cet écrin de verre se dressent, se déploient les monumentales installations « textiles » d'Olga de Amaral, artiste colombienne née en 1932.
Fasciné (je le fus pour ma part), le spectateur se déplace dans un univers de lumière, de couleurs, de matière, de mouvement, de flottement, dans « ces paysages tissés » de lin, de laine, de crin de cheval, de feuilles d’or.
Entre art et artisanat, l'artiste « tisse-noue-tresse » de puissants liens entre nature (pour exemple, l'exceptionnelle série « Les Brumes » commencée en 2013) et culture.
De cette culture tant européenne avec les principes modernistes du Bahaus, que colombienne et pré-colombienne avec toute la diversité, la richesse de leurs motifs.

Etonnant :
« Louvre Couture-objets d'art, objets de mode »
Musée du Louvre, jusqu'au 21 juillet 2025
De même que Picasso frottait son œil aux masques africains du musée du Trocadéro,
de même nombreux furent les grands couturiers puisant dans les œuvres des musées, du Louvre en particulier, matière à leurs créations : un motif de tissu, un plissé, un accessoire...
De Jacques Doucet à Hubert de Givenchy, madame Carven, Karl Lagerfeld, plus récemment Iris Van Herpen, Jacquemus …
« Mon inspiration vient des vases grecs, des femmes élégamment habillées qui y sont représentées, mais aussi de la noble ligne des vases eux-mêmes », reconnaissait Madeleine Vionnet, redessinant la silhouette féminine de l'entre deux guerres.
Ou encore Yves Saint Laurent, fasciné par les noirs profonds et raffinés de la peinture espagnole au Louvre.
L'occasion nous est ainsi offerte de découvrir, dans une théâtrale mise en scène, 70 silhouettes au cœur des galeries du Louvre...et de leurs trésors : à admirer sans modération !

Et puisque nous nous trouvons en ces lieux, pourquoi ne pas nous rendre dans l'aile Denon du musée (1er étage) pour y contempler :
 « La Maesta de Cimabue » (ou Vierge à l'Enfant en majesté)
Peinture à tempera et fond d'or sur panneau de bois, vers 1280.
Une œuvre tout récemment restaurée, comme un petit panneau acquis en 2019, découvert dans la cuisine d'une maison picarde :
« La Dérision du Christ » de Cimabue.
Ces restaurations délicates permettent de retrouver toute la subtilité des coloris et la variété des détails.
Grand maître toscan du Trecento, Cimabue fût le passeur d'une peinture de référence orientale, byzantine aux prémices d'un art plus naturaliste, jusqu'à l'éclosion du génie d'un de ses disciples : le jeune Giotto, représenté également à cette exposition.

Terminons « en fanfare » avec :
« En piste »
MUCEM- Marseille, jusqu'au 12 mai 2025
Orchestrée par Macha Makeïeff (fondatrice des inoubliables Deschiens), nous voilà projetés sur la piste d'un imaginaire monde circassien entre sa volubile fantaisie et sa fragilité.
Dans cette exposition-spectacle, de clowns, saltimbanques, conteurs, on déambule, au milieu d'humbles objets forains comme d'une acrobate de Niki de St-Phalle.
On y croise également Georges Rouault, Marc Chagall, Charlie Chaplin, Pablo Picasso … avec nous « Tous en Piste ».

Pour vous.
Christine Leduc 

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Au musée d'Art moderne : cycles d'ateliers plastiques.
Tous les premiers samedis du mois, les musées organisent, en collaboration avec les amis du musée d'Art moderne, des ateliers de création plastique animés par un artiste plasticien.
Pour les enfants de 7 à 12ans (non accompagnés).
Nombre limité à 12 enfants.
Prix : 5 euros pour chacun.
Réservation : 03.25.76.26.81
- samedi 08 février 2025 de 10h à 12h : thème « l'hiver »
- samedi 1er mars 2025 de 10h à 12h : thème « Météorites entre ciel et terre »
- (et déjà retenez le 5 avril 2025 « que dévoile mon autoportrait » et le 3 mai 2025 « Les Coureurs de Delaunay »).
 
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Géante de l’art moderne, Germaine Richier (1902-1959) a traversé le XXe siècle à grands coups de créations, telle une Ouragane, du nom d’une de ses sculptures.
Tout en s’inscrivant dans la grande tradition de la statuaire, l’artiste a bouleversé la sculpture.
En à peine 25 ans, jusqu’à l’année de sa mort, en 1959, Richier s’est donnée toute entière à une œuvre radicale, dérangeante, immense, à un langage premier d’une modernité absolue.
Ses créatures révèlent que l’apparition de l’humain est l’aboutissement de la fécondité des éléments, de la nature animale, minérale, végétale. Présente dans les plus grands musées, elle est la première femme à exposer de son vivant au Musée d’Art Moderne de Paris en 1956.
En 2023, le Centre Pompidou, à Paris, avec le Musée Fabre de Montpellier, lui ont consacré une rétrospective.

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A priori, on pourrait penser que l’art est profondément ancré dans le domaine du visible. Et pourtant, un des enjeux de la peinture, dans le domaine religieux, fut de représenter l’invisible,

Ainsi, selon J.P. Vernant "Au IIIème siècle de notre ère, Plotin marque le début du tournant par lequel l'image, au lieu d'être définie comme imitation de l'apparence, se donnera pour tâche de figurer l'invisible". Cette « image de forme transcendante », va trouver toute son efficacité dans le champ religieux.

C’est la querelle iconoclaste au VIIIe siècle qui met en face deux manières de voir l’image. Pour les iconophobes, le sacré ne peut être représenté : toute tentative d'approche du transcendantal à travers une image fondée dans une mimétique est idolâtre. Les iconophiles reprochent à leurs ennemis une mauvaise perception de l'image religieuse car, selon eux, l’honneur ne va pas à l’image mais à la divinité dont elle est l’image. Celle-ci doit être regardée non pas pour elle-même mais pour l'émanation d’un au-delà, autrement dit de l’invisible.

La "querelle" liée à la naissance de l'abstraction n'a pas la même ampleur et se situe essentiellement dans un champ artistique. Il n’en reste pas moins qu’on peut voir une analogie dans la question de la représentation de l’invisible telle qu'elle se pose à l'époque iconoclaste et à ce moment déterminant de l'histoire de l'art qu'est le début du XXème siècle. De fait, l’enjeu principal des artistes de la première génération de peintres non figuratifs demeure comment, en l’absence d’un sujet, viser l’universel, comment exprimer picturalement la spiritualité. Le titre du livre de Kandinsky « Le spirituel dans l’art », résume cette quête.

La disparition de l'objet qui marque la rupture fondamentale à partir de laquelle se fonde l'abstraction oblige les artistes à présenter son art comme le témoin d'une réalité nouvelle. Réalité qu'il s'agit aussi de faire partager au public, ce qui implique une conception presque missionnaire du rôle de l'artiste. Dans ce sens, le domaine religieux, où il faut croire pour voir, et encore plus le domaine mystique, sont des outils efficaces pour transformer les formes, voire les faire disparaître. C'est un langage qui parle d'une réalité transcendante, qui propose une vision utopique du monde, commune à la première génération de l'abstraction. La plupart des artistes d'avant-garde se présentent souvent, à travers leurs écrits, comme des prophètes qui ouvrent une nouvelle voie mettant en cause l'ancienne tradition.

Paradoxalement, en même moment, les avancées majeures scientifiques - l’électricité, les rayons X, la quatrième dimension - enflamment l’imaginaire artistique qui cherchent à figurer ces réalités nouvelles, invisibles à l’œil nu. 
Entre cette forme d’invisible et celui religieux, l’image se cherche. 

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En 2023, le LaM – Musée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut situé à Villeneuve d’Ascq a fêté ses 40 ans.
Le point de départ est bien sûr une collection prestigieuse, celle de Roger Dutilleul (1873-1956) commencée au tout début du XXème siècle et qui réunit des noms prestigieux comme Braque, Picasso, Leger aidé par le marchand Kahnweiler.
Elle a ensuite été développée par son neveu Jean Masurel (1908-1991), permettant de réunir des œuvres de tout premier ordre.
En 1979, le couple Masurel décide de faire une donation de 220 œuvres à la communauté urbaine de Lille à condition de créer un musée pour abriter ses chefs-d’œuvre.
Cette donation représente la plupart des courants artistiques majeurs développés en France durant la première moitié du XXème siècle.
En 2010, le musée s’agrandit pour accueillir une nouvelle collection celle de l’Aracine et devient alors l’un des fonds d’art brut les plus importants d’Europe.

Partons à la rencontre de cette collection tout à fait unique !

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Conférence avec projections et rencontres à l'auditorium du musée d'Art moderne.
Entrée libre et gratuite dans la limite des 100 places disponibles.

Figure majeure du design du 20e siècle et fondateur d’un certain design à la Française, Pierre Paulin s’est illustré dans ce domaine des années 50 jusqu’à sa disparition en 2009.
Inventeur et précurseur, tant dans l’esthétique que la technique, «son design» s’offre à tous : du jeune ménage français de l’après-guerre aux décors de cinéma comme James Bond, jusqu’aux sièges de la Grande Galerie du Louvre. Cette conférence retracera particulièrement ses années sous les Ors de la République lorsque les Présidents de la République, Georges Pompidou et François Mitterrand, lui commandèrent des aménagements pour l’Élysée.

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Cet automne, avant que de refermer ses portes pour plusieurs années, le Centre Pompidou nous convie à une « sur-réelle » déambulation. Risquons-y-nous !

Surréalisme : « automatisme psychique pur par lequel on se propose d'exprimer le fonctionnement réel de la pensée, en l'absence de tout contrôle exercé par la raison, en dehors de toute préoccupation esthétique ou morale ». Tels sont les mots d'André Breton, dont la voix reconstituée par l'IRCAM, résonne entre les murs du :
Centre Pompidou avec l'exposition « Surréalisme » 
jusqu'au 13 janvier 2025
Le spectateur y pénètre par un couloir noir, hypnotique, débouchant sur une salle circulaire, coeur battant de l'exposition. Là y est en effet présenté le manuscrit du premier « Manifeste du surréalisme » d'André Breton publié en 1924, il y a cent ans (prêt exceptionnel de la BnF).
A partir de ce point central, le parcours se déroule en spirale, parcours destiné à régénérer notre regard sur ce mouvement révolutionnaire puisant ses racines au sein de DADA (né durant la Première Guerre mondiale) et officiellement dissout en 1969 (au-delà donc de la mort d'André Breton en 1966).
Peintures, photographies, films et documents y évoquent les idées, les démarches « révolutionnaires » (politiques également), les principes poétiques (l'artiste médium, le rêve, la forêt…) et les figures littéraires inspirantes (Rimbaud, Lautréamont, Cravan…). Tout cela en compagnie d'artistes tels Miro, Magritte, Ernst, Dali, Buñuel (les films « un chien andalou » avec Dali, « l’âge d'or »).
Et le parcours déborde, nous emporte hors des frontières de l'Europe : au Japon, au Mexique, au Chili avec Roberto Matta…
Et puis des femmes, toutes ces femmes : Dora Maar, Claude Cahun, Léonora Carrington, Dorothea Tanning…
Un centenaire dignement, magnifiquement célébré !

Retrouvons les Hommes avec
« Caillebotte. Peindre les hommes » Musée d'Orsay
jusqu'au 19 janvier 2025
Nous connaissions Gustave Caillebotte (1848-1894), collectionneur, généreux légataire à l'État français, mécène, tout aussi généreux pour ses amis impressionnistes, mais aussi bien sûr peintres. Viennent à l'esprit ses magnifiques « Raboteurs de parquet », l'atmosphérique « Rue de Paris, temps de pluie »...
L'exposition actuelle en affine l'angle de présentation, peut-être à l'aune de deux acquisitions récentes présentées ici :
« Jeune homme à la fenêtre » par le Getty Museum
« Partie de bateau » par le musée d'Orsay (passionné de nautisme fût-il !)
Il est vrai que si ses amis, Renoir, Degas… ont plus volontiers prisé le modèle féminin, Caillebotte porte plutôt son regard sur l'homme, l'homme moderne s'entend : en milieu urbain, dans ses loisirs, comme dans son intimité.
Sur ce thème choisi, on remarquera là aussi, l'influence de ses amis impressionnistes, d’une formation académique à un style plus libre.
Cette exposition se révèle alors une belle opportunité à redécouvrir cet artiste, cet homme aux multiples, trop peut-être, facettes.

Attardons-nous au Musée d'Orsay, pour
« Harriet Backer (1845-1932) La musique des couleurs »
jusqu'au 12 janvier 2025
Leïla Jarbouai, une des commissaires de l'exposition, nous confie d'emblée : « En dehors de la Norvège, son pays natal, où elle est considérée comme une peintre nationale, personne ne connaît Harriet Backer ».
Voilà donc ici chose faite.
Formée à Oslo auprès d'une éminente figure du romantisme tardif, elle maturera son art en suivant sa soeur Agathe, célèbre pianiste et compositrice dans toutes les capitales européennes. Séjournant plus longuement à Paris dans les années 1880, elle recevra d'abord l'enseignement de l'académique Jean-Léon Gérôme tout en se frottant aux tendances du moment, dans l'impressionnisme bien sûr.
Dans ses toiles, dont beaucoup de scènes d'intérieurs, elle conjugue naturalisme et innovations avec de riches variations lumineuses colorées, avec une touche rapide, vivante, vibrante...vibrante comme « La musique des couleurs ».

La Seine franchie, pénétrons au Musée de l'Orangerie, pour voir, revoir sans jamais se lasser, Klee, Giacometti, Matisse, Picasso..., choix d'un collectionneur et galériste assez peu connu :
« Heinz Berggruen, un marchand et sa collection »
jusqu'au 27 janvier 2025
Un écho bien sûr à une collection présente en ces lieux : la collection Walter-Guillaume.

Ne quittons pas ces lieux sans un regard sur un autre « écho », un écho contemporain aux Nymphéas de Claude Monet, réalisé par l'artiste peintre « Amélie Bertrand. Hyper nuit » : coloré et réjouissant !
Restons dans ce « tempo » haut en couleurs avec
« Pop Forever, Tom Wesselmann &... »
Fondation Louis Vuitton, jusqu'au 24 fevrier 2025
On y célèbre ici le Pop Art (popular art des années 1960 en Angleterre puis aux États-Unis) et plus particulièrement une de ses figures emblématiques, Tom Wesselmann (1931-2004). S'y décline un riche panorama de ses oeuvres : de ses premiers collages à ses vastes toiles hyperréalistes jusqu'à ses « Sunset Nude » (Nu au coucher de soleil), très « matissiens » dans les années 2000.
Mais l'ambition de l'exposition dépasse sa seule personne. Avec ses collages principalement, elle tend en effet avec audace, à le relier aux figures dadaïstes du passé comme Hannah Höch. Le lien avec ses contemporains (Andy Warhol, Claes Oldenburg, Meret Oppenheim…) s'établit bien naturellement. Quant à son futur, notre contemporain, il est représenté par des artistes partageant cette sensibilité « Pop », tels Ai Weiwei ou Yayoi Kusama.
Une très originale prise de vue de l'art des XXème et XXIème siècles !

Du Pop Art à l'Arte Povera, le saut est audacieux ! Tentons-le en nous rendant à la :
Bourse de Commerce - Pinault Collection
« Arte Povera », jusqu'au 20 janvier 2025
Plus qu'un mouvement aux contours définis, nous découvrons une association d'amis, d'artistes dont les convictions révolutionnèrent la scène artistique italienne des années 1960. Leur ambition fût de rapprocher l'art et la vie, de reprendre conscience de la réalité, du monde environnant ; à contre-courant de la forte industrialisation italienne d'alors, de la domination de la scène artistique américaine, du consumérisme déjà !
Dans ce but ils usent de matériaux simples « pauvres » (terre, bois, eau, chiffons, objets du quotidien, ou de récupération) nous enjoignant ainsi à participer d'un monde réel, vivant. Pour exemples : la boussole de G. Anselmo dont l'aiguille est mue par la force magnétique terrestre, flux nous traversant également ; ou la forme d'un souffle dans un lit de feuilles de G. Penone, explorant notre relation au monde végétal.
« Tout est déjà là. Il faut juste mettre le monde au monde » dira A. Boetti.

Treize artistes sont présentés, certains certes plus déroutants, provocants, mais comme le fût le futurisme en son temps ! Outre Anselmo et Penone, Fabro, Merz (Mario et Mariza), Pistoletto…
L'Arte Povera élargit, éclate même les cadres de l'art traditionnel (peinture, sculpture...), créant les premières installations et requérant une forte implication du spectateur : son attention, sa réflexion.
« Et l'une d'elles n'est pas des moindres car elle enfante une pensée écologique dans l'art par l'art », conclut Carolyn Christov-Bakargiev, commissaire de l'exposition.

L'automne, nous le savons, est une saison très riche d'expositions. Aussi ne puis-je en citer que quelques-unes. Parmi elles, l'affrontement puissant mais non provocant de :
« Rodin / Bourdelle. Corps à corps »
Musée Bourdelle, jusqu'au 2 février 2025
On y mesure l'héritage, tout autant que l'émancipation d'Antoine Bourdelle (1861-1929), vis-à-vis de son maître Auguste Rodin (1840-1917), dont il fut le praticien quinze ans durant.

Comment alors ne pas évoquer :
« Camille Claudel à l'oeuvre : Sakountala »
Musée Camille Claudel - Nogent-sur-Seine, jusqu'au 12 janvier 2025
Le musée présente une oeuvre majeure de Camille Claudel (1864 – 1943), « Sakountala » inspirée d'une histoire d'amour de la mythologie hindoue. Une sculpture que l'on admire ici, déclinée au fil du temps, dans des matériaux, des formats, des titres même différents (l'Abandon, Vertumne et Pomone). C'est là une très émouvante manière de plonger au coeur de la vie et l'art de Camille Claudel.

Il serait bien coupable de terminer sur ce seul chef-d’oeuvre, alors que nous attendent :
« Chefs-d’oeuvre de la Galerie Borghèse »
Musée Jacquemart-André (superbement restauré)
Jusqu'au 5 janvier 2025
Nous y accueillent en effet Titien, Véronèse, Botticelli, Raphaël et la troublante sensualité du « Garçon à la corbeille de fruits » de Caravage.
Sublime étape !

Pour une belle fin d'année ;
Pour vous,
Christine Leduc

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Conférence avec projections et rencontres à l'auditorium du musée d'Art moderne.
Entrée libre et gratuite dans la limite des 100 places disponibles.

André Derain est sans doute l’une des figures les plus fascinantes de l’art moderne.
Tout au long de son existence (1880- 1954), Derain a créé autour de lui un champ magnétique qui a infléchi durablement le destin de la peinture et de la poésie contemporaines.
Occulté dans le roman de l’art moderne, cet épisode forme la trame du livre de Michel Charzat, Derain et ses amis.
L’auteur raconte les rencontres légendaires du « géant mélancolique » avec Vlaminck et Matisse.
Il tire de l’oubli ses  relations passionnelles nouées avec Picasso, Apollinaire, Breton, Satie, Balthus, Giacometti.
Spécialiste de la peinture française de la première partie du XXe siècle, biographe de Derain, Michel Charzat présentera son livre, récemment publié, au MAM de Troyes, le 14 novembre 2024.

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Conférence avec projections et rencontres à l'auditorium du musée d'Art moderne.
Entrée libre et gratuite dans la limite des 100 places disponibles.

« Le 17 octobre 2024, le musée d’Art moderne de la ville de Troyes accueillera Diane de Selliers, fondatrice de la maison d’édition éponyme, pour une conférence sur son œuvre en tant qu’éditrice de livres d’art.
Des ouvrages qui invitent à un dialogue fécond entre les textes de la littérature mondiale et des œuvres picturales.
Au cours de cet événement, plongez au cœur du monde fascinant des Éditions Diane de Selliers, où chaque livre est une création à part entière.
Une soirée inspirante au cours de laquelle vous découvrirez l’univers unique de cette maison d’édition qui, depuis 1992, publie au rythme d’un livre par an, des textes majeurs de la littérature en correspondance avec les grandes œuvres de l’histoire de l’art.
Une rencontre à ne pas manquer pour tous les passionnés d’art, de littérature et de création.
Diane de Selliers nous parlera de la création de ses ouvrages, de l’imposant travail de recherche qu’ils nécessitent, et dévoilera quelques secrets de ses titres les plus emblématiques, en particulier « Poésies d’Emily Dickinson illustrées par la peinture moderniste américaine ».

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Portés par le projet hospitalier « Art vivant en Soins Palliatifs » les reproductions de tableaux de la collection Levy présentés dans les chambres du service de l’unité ont déjà fait l’objet d’un travail collaboratif avec le musée d’Art Moderne.
Cette fois, l’association des amis du musée d'Art moderne de Troyes a engagé les séniors du département vivant en résidence à développer un travail de création autour des artistes représentés.

Cette exposition est ouverte à tous au Comte Henri, 37 rue de la Marne à Troyes, au 3ème étage, service de soins palliatifs, tous les jours jusqu’au 24 novembre 2024 de 15h. à 19h.

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Réservation : reservationscirulli27.06@yahoo.com

Première exposition temporaire depuis la réouverture totale du MAM, Italia veloce met en lumière, pour la première fois en France,  les collections de la Fondation Massimo et Sonia Cirulli (Bologne), créée en 2015.
Entre sculptures de grands maîtres, affiches de cinéma et objets du quotidien conçus par des designers, cette exposition livre un panorama de l'art italien des années 1910 à 1960.
Façonnée par Sonia et Massimo Cirulli, collectionneurs emblématiques de leur époque, elle est fait écho à la collection de Pierre et Denise Lévy.
Plusieurs mouvements artistiques sont représentés.
L'exposition s'ouvre sur les artistes futuristes (Umberto Boccioni, Luigi Russolo, Gino Severini, etc.), qui questionnent la modernité en magnifiant la civilisation urbaine, les machines et la vitesse.
Les artistes du "Retour à l'ordre" (Archaïsme, Réalisme magique, Nouvelle objectivité, Novecento...) sont également mis à l'honneur (Mario Sironi) ; après les horreurs de la Première Guerre mondiale, se ressent un besoin de fonder l'art sur des bases stables et revenir à la figuration classique.
Théâtre et cinéma font aussi partie de ce foisonnement artistique du 20ème siècle.

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3 séances :
Viens avec nous et tes amis regarder et réfléchir puis participer à un atelier.
Musée d’art moderne - Enfants 6 à 11 ans - Réservation 06.81.46.27.06
Samedi 12 octobre 2024 - 14h30/16h45
Habiter quelque part
Samedi 14 décembre 2024  - 14h30/16h45
Tous pareils - Tous différents
Samedi 11 Janvier 2025  - 14h30/16h45
Vivre ensemble

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