CONFÉRENCES

Conférence avec projections et rencontres à l'auditorium du musée d'Art moderne.
Entrée libre et gratuite dans la limite des 100 places disponibles.

En 2023, le LaM – Musée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut situé à Villeneuve d’Ascq a fêté ses 40 ans.
Le point de départ est bien sûr une collection prestigieuse, celle de Roger Dutilleul (1873-1956) commencée au tout début du XXème siècle et qui réunit des noms prestigieux comme Braque, Picasso, Leger aidé par le marchand Kahnweiler.
Elle a ensuite été développée par son neveu Jean Masurel (1908-1991), permettant de réunir des œuvres de tout premier ordre.
En 1979, le couple Masurel décide de faire une donation de 220 œuvres à la communauté urbaine de Lille à condition de créer un musée pour abriter ses chefs-d’œuvre.
Cette donation représente la plupart des courants artistiques majeurs développés en France durant la première moitié du XXème siècle.
En 2010, le musée s’agrandit pour accueillir une nouvelle collection celle de l’Aracine et devient alors l’un des fonds d’art brut les plus importants d’Europe.

Partons à la rencontre de cette collection tout à fait unique !

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Nombreuses sont les artistes femmes dans le mouvement de l’Abstraction.
Sophie Taeuber, Sonia Delaunay, Maria Vieira da Silva, Geneviève Claisse, Aurélie Nemours, Geneviève Asse sont quelques-unes de ces créatrices.
Cercles, carrés, lignes se déploient sur la toile, les formes s’ouvrent et créent des profondeurs spatiales.
Sonia Delaunay créé des tissus proches de l’esthétique de Robert, Sophie Taeuber créé des tableaux et des vitraux dans les maisons privées des collectionneurs.
On connaît mal leurs œuvres, car souvent, on les démarque mal de celles de leur mari.
Dans les années cinquante, Vieira da Silva peint des paysages abstraits, des architectures imaginaires en des perspectives fuyantes qui amène le regard vers les profondeurs.
Geneviève Claisse explore les possibilités infinies du cercle et du triangle qu’elle combine avec des couleurs franches. Aurélie Nemours explore le carré dans des jeux optiques et colorés. Geneviève Asse, elle, se déploie dans des bleus infinis.

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Soutine. Le nom est familier, l’œuvre de l’artiste moins. L’homme, juif russe né dans un shtetl de l’actuelle Biélorussie, est plus mystérieux et méconnu.
Murielle Levy et Valérie Firla ont mené une enquête serrée, rencontrant les derniers témoins de l’époque, insérant des images d’archives, s’emparant des moindres indices pour raconter l’histoire de cet artiste fascinant et profondément attachant.
Ce film de 52 minutes parcourt la France sur les traces de ce peintre majeur de la 1ère moitié du XXe siècle.
Soutine, homme solitaire et introverti, entièrement dédié à son œuvre côtoie les peintres de son temps : Modigliani, Chagall, Picasso.
Il appartient à ce qu’on a appelé l’École de Paris.
Grâce au grand collectionneur américain Barnes, Soutine rencontre le succès.
Rongé par un ulcère à l’estomac qui ne sera jamais guéri, Soutine produit une œuvre essentielle, charnière entre les classiques et les expressionnistes abstraits.
Cette enquête s’attache à découvrir l’œuvre et l’âme de ce peintre et tente de pénétrer la matière palpitante et sensuelle de ses paysages et de ses portraits en les confrontant aux modèles originaux.

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Si, par « bonheur », on entend un état de bien-être durable et complet, tant en quantité qu’en qualité, il semble bien n’être qu’une illusion.
Par contre, la joie de vivre pourrait, sans illusion, supporter toute espèce de malheur, parce que la « vie » est toujours là.
Toutefois, quelle serait la joie, issue des profondeurs de la « vie », qui pourrait durer et devenir une disposition d’esprit
permanente ? 

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De profonds bouleversements sociétaux marquent la fin du XIXe siècle et la première moitié du XXe siècle : développement de techniques industrielles et de communication, révolutions scientifiques, psychanalyse, guerres mondiales.... ébranlant certitudes et valeurs des siècles précédents.
Les artistes, alors non seulement refléteront, transcriront chacun à leur manière, les ruptures et les révolutions de leur époque, mais les devanceront et les assumeront au travers de la remise en question des normes de la figuration, aussi bien la forme que la couleur.
Ces destructions-restructurations donneront naissance à de multiples mouvements, fulgurants, souvent éphémères: fauvisme, cubisme, expressionniste, suprématisme, abstraction, surréalisme, Nouvelle Objectivité...
L'art moderne, un art brillamment expérimental !

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Un support - des formes - de la peinture sont les éléments constituants la peau de l'œuvre.
Sur un support qui délimite un espace et cadre l'espace de la toile, l'art abstrait émerge de la matière picturale.
La peinture peut être transparente et lisse, crayeuse et opaque, en couches fines ou épaisses.
La profondeur spatiale se crée par des formes qui se superposent, se juxtaposent, se fondent ou jaillissent de la toile.
Lorsque la pensée créatrice de l’artiste se projette et qu’il élabore un langage plastique se tenant à une certaine distance de l'imitation visuelle, le peintre matérialise l'expression de sa nécessité intérieure.
Dans la seconde moitié du XXe siècle, Jean Dubuffet, Serge Poliakov, Nicolas de Staël, Mario Prassinos, Olivier Debré, Zao Wou Ki, nombreux furent les artistes qui ont exploré les conditions d'émergence de l'art abstrait.

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A priori, on pourrait penser que l’art est profondément ancré dans le domaine du visible. Et pourtant, un des enjeux de la peinture, dans le domaine religieux, fut de représenter l’invisible,

Ainsi, selon J.P. Vernant "Au IIIème siècle de notre ère, Plotin marque le début du tournant par lequel l'image, au lieu d'être définie comme imitation de l'apparence, se donnera pour tâche de figurer l'invisible". Cette « image de forme transcendante », va trouver toute son efficacité dans le champ religieux.

C’est la querelle iconoclaste au VIIIe siècle qui met en face deux manières de voir l’image. Pour les iconophobes, le sacré ne peut être représenté : toute tentative d'approche du transcendantal à travers une image fondée dans une mimétique est idolâtre. Les iconophiles reprochent à leurs ennemis une mauvaise perception de l'image religieuse car, selon eux, l’honneur ne va pas à l’image mais à la divinité dont elle est l’image. Celle-ci doit être regardée non pas pour elle-même mais pour l'émanation d’un au-delà, autrement dit de l’invisible.

La "querelle" liée à la naissance de l'abstraction n'a pas la même ampleur et se situe essentiellement dans un champ artistique. Il n’en reste pas moins qu’on peut voir une analogie dans la question de la représentation de l’invisible telle qu'elle se pose à l'époque iconoclaste et à ce moment déterminant de l'histoire de l'art qu'est le début du XXème siècle. De fait, l’enjeu principal des artistes de la première génération de peintres non figuratifs demeure comment, en l’absence d’un sujet, viser l’universel, comment exprimer picturalement la spiritualité. Le titre du livre de Kandinsky « Le spirituel dans l’art », résume cette quête.

La disparition de l'objet qui marque la rupture fondamentale à partir de laquelle se fonde l'abstraction oblige les artistes à présenter son art comme le témoin d'une réalité nouvelle. Réalité qu'il s'agit aussi de faire partager au public, ce qui implique une conception presque missionnaire du rôle de l'artiste. Dans ce sens, le domaine religieux, où il faut croire pour voir, et encore plus le domaine mystique, sont des outils efficaces pour transformer les formes, voire les faire disparaître. C'est un langage qui parle d'une réalité transcendante, qui propose une vision utopique du monde, commune à la première génération de l'abstraction. La plupart des artistes d'avant-garde se présentent souvent, à travers leurs écrits, comme des prophètes qui ouvrent une nouvelle voie mettant en cause l'ancienne tradition.

Paradoxalement, en même moment, les avancées majeures scientifiques - l’électricité, les rayons X, la quatrième dimension - enflamment l’imaginaire artistique qui cherchent à figurer ces réalités nouvelles, invisibles à l’œil nu. 
Entre cette forme d’invisible et celui religieux, l’image se cherche. 

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Géante de l’art moderne, Germaine Richier (1902-1959) a traversé le XXe siècle à grands coups de créations, telle une Ouragane, du nom d’une de ses sculptures.
Tout en s’inscrivant dans la grande tradition de la statuaire, l’artiste a bouleversé la sculpture.
En à peine 25 ans, jusqu’à l’année de sa mort, en 1959, Richier s’est donnée toute entière à une œuvre radicale, dérangeante, immense, à un langage premier d’une modernité absolue.
Ses créatures révèlent que l’apparition de l’humain est l’aboutissement de la fécondité des éléments, de la nature animale, minérale, végétale. Présente dans les plus grands musées, elle est la première femme à exposer de son vivant au Musée d’Art Moderne de Paris en 1956.
En 2023, le Centre Pompidou, à Paris, avec le Musée Fabre de Montpellier, lui ont consacré une rétrospective.

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Figure majeure du design du 20e siècle et fondateur d’un certain design à la Française, Pierre Paulin s’est illustré dans ce domaine des années 50 jusqu’à sa disparition en 2009.
Inventeur et précurseur, tant dans l’esthétique que la technique, «son design» s’offre à tous : du jeune ménage français de l’après-guerre aux décors de cinéma comme James Bond, jusqu’aux sièges de la Grande Galerie du Louvre. Cette conférence retracera particulièrement ses années sous les Ors de la République lorsque les Présidents de la République, Georges Pompidou et François Mitterrand, lui commandèrent des aménagements pour l’Élysée.

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André Derain est sans doute l’une des figures les plus fascinantes de l’art moderne.
Tout au long de son existence (1880- 1954), Derain a créé autour de lui un champ magnétique qui a infléchi durablement le destin de la peinture et de la poésie contemporaines.
Occulté dans le roman de l’art moderne, cet épisode forme la trame du livre de Michel Charzat, Derain et ses amis.
L’auteur raconte les rencontres légendaires du « géant mélancolique » avec Vlaminck et Matisse.
Il tire de l’oubli ses  relations passionnelles nouées avec Picasso, Apollinaire, Breton, Satie, Balthus, Giacometti.
Spécialiste de la peinture française de la première partie du XXe siècle, biographe de Derain, Michel Charzat présentera son livre, récemment publié, au MAM de Troyes, le 14 novembre 2024.

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« Le 17 octobre 2024, le musée d’Art moderne de la ville de Troyes accueillera Diane de Selliers, fondatrice de la maison d’édition éponyme, pour une conférence sur son œuvre en tant qu’éditrice de livres d’art.
Des ouvrages qui invitent à un dialogue fécond entre les textes de la littérature mondiale et des œuvres picturales.
Au cours de cet événement, plongez au cœur du monde fascinant des Éditions Diane de Selliers, où chaque livre est une création à part entière.
Une soirée inspirante au cours de laquelle vous découvrirez l’univers unique de cette maison d’édition qui, depuis 1992, publie au rythme d’un livre par an, des textes majeurs de la littérature en correspondance avec les grandes œuvres de l’histoire de l’art.
Une rencontre à ne pas manquer pour tous les passionnés d’art, de littérature et de création.
Diane de Selliers nous parlera de la création de ses ouvrages, de l’imposant travail de recherche qu’ils nécessitent, et dévoilera quelques secrets de ses titres les plus emblématiques, en particulier « Poésies d’Emily Dickinson illustrées par la peinture moderniste américaine ».

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Depuis les débuts du XXème siècle européen, « l’Art » a remplacé les « Beaux-Arts », eux-mêmes apparus au XVIIIème siècle.
L’idée du beau héritée traditionnellement de Platon parait périmée.
Les « ready made » et le « design » semblent avoir annulé la différence entre Art et technique.
L’intelligence artificielle s’apprête à surpasser la créativité artistique. 
La culture artistique  de masse offre une émotion esthétique sans que le goût ait dû être cultivé par la fréquentation des musées ou des salles de  concert. Pourtant, le sentiment suscité par les œuvres d’Art ne conserve-t-il pas une prétention à l’universalité qui distingue le beau de l’émouvant ?

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